“La paz no se puede mantener por la fuerza; solo se puede alcanzar por el entendimiento.” — Albert Einstein

 

La paloma de la paz es uno de los símbolos más reconocidos del mundo. Aparece en dibujos escolares, afiches, banderas, campañas humanitarias y mensajes contra la guerra. Su imagen suele mostrar un ave blanca en vuelo, muchas veces con una rama de olivo en el pico.

Este símbolo no nació de una sola tradición. Reúne relatos bíblicos, usos religiosos, asociaciones culturales y una fuerte difusión artística después de la Segunda Guerra Mundial. Por eso, su significado combina esperanza, reconciliación y deseo de convivencia.

Una de las raíces más conocidas aparece en el relato bíblico del Diluvio Universal. Según el Génesis, Noé envió una paloma para saber si las aguas habían bajado. Cuando el ave regresó con una hoja de olivo, esa señal indicó que la tierra volvía a estar habitable y que comenzaba una nueva etapa. Con el tiempo, la paloma y la rama de olivo quedaron asociadas con la reconciliación después de la destrucción

En la tradición cristiana, la paloma también se relacionó con el Espíritu Santo, la pureza y la esperanza. La rama de olivo, por su parte, ya tenía un fuerte valor simbólico en el mundo mediterráneo, donde podía representar victoria, vida y calma después del conflicto

¿Cuándo la paloma de la paz se volvió un símbolo internacional?

1949: Picasso crea una imagen usada en el Congreso Mundial por la Paz. La famosa paloma blanca fue dibujada por Pablo Picasso en 1949 para el primer Congreso Mundial de Partidarios de la Paz, celebrado en París del 20 al 23 de abril de ese año, bajo la presidencia del científico y premio Nobel Frédéric Joliot-Curie 

Pablo Ruiz Picasso. La Paloma de la Paz "La Paloma de la Paz (1973)". Reproducción litográfica, fechada (10 mai 1962) y firmada en plancha en el ángulo inferior derecho

Este congreso reunió a más de 2.000 delegados de 70 países, en un momento en que el mundo buscaba superar los conflictos bélicos recientes y responder a la amenaza de la Guerra Fría tras la creación de la OTAN  La paloma fue elegida para los carteles del congreso y rápidamente se convirtió en un símbolo universal de la paz

Rama de olivo: refuerza la idea de reconciliación.

Color blanco: suele vincularse con calma, claridad y ausencia de violencia

¿Por qué se representa blanca y con una rama de olivo?

La paloma blanca ofrece una imagen fácil de reconocer: un ave clara, liviana y en vuelo. Esa forma transmite visualmente una idea de calma. La rama de olivo agrega otro mensaje: no solo habla de paz, sino también de regreso a la vida, acuerdo y esperanza.

Por eso, la paloma de la paz funciona en muchas culturas aunque no todas compartan las mismas creencias religiosas. Su fuerza está en la simpleza. Con pocos elementos —un ave, el color blanco y una rama verde— logra resumir una idea universal: el deseo de que los conflictos terminen y las personas puedan vivir en armonía

¿Por qué la paloma representa la paz? - Billiken

Arte con hojas. Seguramente quedarás maravillada!

El arte (del latín ars, artis, y este calco del griego τέχνη téchnē)​ es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones y, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos.

La artista de Kazajstán Kanat Nurtazin describe su arte como una manera de dar a las hojas de los árboles una segunda vida en la cual pueden contar una historia nueva a través de sus diseños.

La técnica que sigue esta artista es la siguiente: comienza buscando hojas de árbol intactas para sus diseños; después, las pega en pedazos de papel grueso para hacerlas más resistentes y más duraderas; acto seguido, dibuja sus diseños en el papel; y, para concluir, utiliza una navaja de afeitar para cortar la hoja

 Jaypoy Sucal, es otro dinámico y talentoso joven adolescente que vive cerca de la montaña Canuman en la localidad de Tarlac, en Filipinas.

Padece un trastorno del desarrollo, TDAH (trastorno por déficit de atención e hiperactividad (TDAH) es uno de los trastornos del neurodesarrollo más frecuentes de la niñez. Habitualmente su diagnóstico se realiza en la niñez y a menudo dura hasta la adultez), por lo que, como terapia y para trabajar su concentración, hace trabajos de recorte diarios con hojas.

Usa las redes sociales para dar a conocer sus creaciones. En su cuenta de Instagram Lito_leafart, comenta que su enfoque Leaf Art (arte en hoja), es su manera de expresar su mundo.

Aprendo a hacer artes con hojas que abundan en nuestro lugar, especialmente viviendo cerca de las montañas. Le pido a Dios que cuide de todos nosotros, especialmente de usted, por dedicar su precioso tiempo a visitar mi puesto. Dios te bendiga, expresa en su muro.

Él recibe constantemente solicitudes de trabajos para diseñar las paredes de cafeterías y restaurantes

Una de las galerías en donde se exhiben sus obras de arte es Dining Cafe Baobab, en la prefectura de Shizuoka.

La gente acude y le solicita duplicados de su obra. Lo que lo pone muy feliz, así la gente va difundiendo su trabajo.

https://www.20minutos.es/gonzoo/noticia/kanat-nurtazin-hojas-obras-de-arte-3617735/0/https://extremomundial.com/2020/08/28/conoce-a-jaypoy-sucal-y-su-mundo-expresado-en-una-hoja/

Unas zapatillas muy particulares

 

Mr. Flower Fantastic, cautivó por primera vez a Internet cuando convirtió las Nike Air Max '97 de Serena Williams en una obra maestra floral durante el US Open. Este artista anónimo, cuya abreviatura 'MFF' también es ampliamente reconocida, se ha forjado una reputación por combinar la floristería, la escultura y las zapatillas de deporte más buscadas de la actualidad.

Mr. Flower Fantastic combina la floristería y la escultura para producir piezas únicas de arte pop. Autodidacta, hecho a sí mismo y en su arte, autorrealizado, el hombre detrás de la máscara se ha levantado desde sus humildes comienzos en Queens, Nueva York, para convertirse en uno de los artistas florales más solicitados del mundo.

Organiza capullos de diferentes colores para formar características familiares del calzado y marcas de marca reconocibles. los detalles, como las garrapatas de nike o las presillas para el talón, se forman a partir de pétalos individuales. él usa tulipanes, rosas, lirios, orquídeas, claveles y varias variedades de flores de turquía, oriente medio, caribe, holanda, américa del norte y américa del sur.

Dice que dice que su deseo de permanecer en el anonimato es dejar el foco en el ' poderoso regalo universal de las flores para la humanidad ', que pretende dar plena presencia en sus composiciones artísticas creativas. Se dice que las flores son el conocimiento de la memoria de la verdad y cada semilla comienza con una flor. a lo largo de la historia el intercambio de flores fue diseñado para traer paz. con mi arte y la plataforma que se me ha dado, eso es exactamente lo que pretendo hacer.

Además de salvaguardar su anonimato, MFF usa guantes y una máscara para protegerlo de las flores. pero ser alérgico a su medio elegido no ha impedido que el artista se exprese: ' cuando comencé a hacer esta serie, estaba muy emocionado de hacerlo, porque sabía el impacto que las zapatillas deportivas tenían en mi vida. Estaba muy emocionado de mostrar y rendir homenaje a los maravillosos e increíbles diseñadores y atletas que han hecho esos zapatos, en particular a los que han cambiado nuestra cultura, nuestra forma de comprar, nuestra forma de pensar y nuestra forma de diseñar a través de esos zapatos ',

https://thursd.com/articles/mr-flower-fantastic-turns-sneakers-into-floral-bouquets https://www.designboom.com/art/mr-flower-fantastic-turns-sneakers-into-floral-bouquets-11-12-2018/

¿Sabes a qué se llama exposición inmersiva?

Se le llama exposición inmersiva a un tipo de exhibición artística interactiva que busca apelar a todos los sentidos: a través de luces, imágenes, colores, sonidos, e impresiones, los espectadores se sienten dentro de las pinturas, sumergidos en ella, y logran experimentar la obra de arte de una forma totalmente distinta a la de los museos tradicionales.

Se trata de un nuevo formato cultural que ha crecido notablemente en los últimos años. En la actualidad, muchos espectadores apuestan mucho más en este tipo de experiencia por sobre la tradicional. Al experimentar la inmersión, el estado de conciencia del espectador se transforma.

El público recorre la exhibición en oscuridad total, sólo quebrada por las proyecciones gigantescas de las pinturas más reconocidas del artista con un fondo musical de los mejores exponentes de la música clásica lo que hace que cada visitante experimenta la obra de manera muy personal

Imagine Van Gogh cuenta con la tecnología llamada “imagen total”, un concepto creado en 1977 por el fotógrafo y cineasta francés Albert Plécy, y luego desarrollado por su nieta Annabelle Mauger, quien, en el año 2008, se unió a Julien Baron para crear Imagine Van Gogh. La muestra fue presentada por primera vez ese mismo año en La Cathédrale d’Images en Francia

La exhibición le permite al espectador adentrarse en más de 200 pinturas de Van Gogh, las cuales se proyectan a su alrededor en el suelo, las paredes, y el techo del lugar.

Sabías qué:

 Los girasoles de Vincent van Gogh son en realidad seis pinturas “hermanas” Debían ser 12 pero se quedaron en siete, una se perdió y el resto se reparte entre diversos museos y una colección privada.

Como habrás visto las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan. El amarillo es para el artista la vida, el calor, la luz, al ser el color del sol;

 https://www.rockyarte.com/imagine-van-gogh-la-experiencia-inmersiva/

Papercraf. Artesanía en papel

El papel craft utiliza papel o cartulina como medio artístico principal para la creación de objetos bidimensionales o tridimensionales. El papel y la cartulina se prestan a una amplia gama de técnicas ya que se pueden doblar, curvar, doblar, cortar, pegar, moldear, coser o estratificar, la fabricación de papel a mano también es una artesanía de papel.

Hoy conocemos a:

 Color, mucho color puede ser uno de los elementos principales que definirían la obra de la artista colombiana Diana Beltrán. Una obra en la que el papel es el material principal para elaborar espectaculares esculturas.

Con sede en Bristol- Reino Unido, la diseñadora y escultora Diana Beltrán consigue transportarnos a un universo en el que sus esculturas parecieran tener vida. Colibríes, zorros e incluso un ajetreado martín pescador nos invita a conocer el particular e interesante universo de la artista colombiana.

Gracias al papel y el esqueleto previo que crea como base de la escultura, Beltrán consigue dar el dinamismo suficiente a la obra, haciéndonos recordar cómo es el animal en su hábitat natural.

Esta artista utiliza alambres, cartón y papeles de colores para dar vida a toda clase de animales de papel, desde insectos a aves. Con estos materiales tan sencillos, esta artista es capaz de crear unas realistas esculturas de papel en tres dimensiones

 James Cropper, Hodder and Stoughton o Marina Rinaldi son algunos de los clientes que han podido contar con las obras de Beltrán.

Aquí trabajando

Un minucioso trabajo lleno de detalles, en el que la artista es capaz de recrear las texturas de las alas de cada uno de los aves que realiza

Como habrás visto en el vídeo parte de estructuras de papel y no es un simple colage. Los trabajos terminados son muy bellos ¿Verdad?

https://www.malatintamagazine.com/papel-craft-escultura-diana-beltran/

http://estonoesarte.com/diana-beltran/

La voz de Frida Kahlo

La Fonoteca Nacional de México publica el que podría ser el único registro sonoro de la pintora mexicana. La grabación forma parte de un programa de radio producido en los años 50

"Con su cabeza asiática, sobre la que nace un pelo oscuro, tan delgado y fino que parece flotar en el aire, es un niño grandote, inmenso, de cara amable y mirada triste”. Así comienza una grabación de dos minutos de duración en los que una voz suave y tranquila recita Retrato de Diego, una composición literaria en el que la pintora escribió en 1949 para su marido, Diego Rivera.

Quién era Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón: Fue una pintora mexicana, reconocida por sus famosos autorretratos, calificados como parte del movimiento surrealista. La pintora, quien dijo no identificarse con el movimiento, creó un estilo propio tomando los aspectos de su vida, mezclándolos con los elementos de la naturaleza y la identidad mexicana. 

A los seis años la pintora contrajo poliomielitis, que le hizo tener una pierna más corta, viéndose obligada a guardar cama durante nueve meses. Los ejercicios de fisioterapia que le ayudaba a hacer su voluntarioso padre no le serían de utilidad, y su pierna y pie derechos quedarían deformados para siempre. En 1925, tiene un accidente de tráfico cuando viaja en un autobús. En ese accidente, se daña los huesos, especialmente la columna vertebral. Después del accidente, empieza a pintar.

Toda su obra se encuenta AQUÍ con la explicación correspondiente

La ministra de Cultura de México, Alejandra Frausto, anunció en conferencia de prensa que el archivo sonoro -encontrado en la colección de Álvaro Gálvez y Fuentes, apodado El Bachiller, un locutor conocido en México por las entrevistas ofrecidas a prominentes figuras del mundo de la cultura, como Alfonso Reyes o Jorge Luis Borges, entre otros- podría contener la voz de la famosa pintora mexicana. “Es un hallazgo que tiene muchos elementos que pueden identificarse como la probable voz de Frida Kahlo, aunque por ahora no es 100% seguro”, afirmó la mandataria

La voz de Frida Kahlo aparece pasado el minuto 2 de grabación

Su vida estuvo marcada por el infortunio que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas

El retrato de Diego Rivera que está en la frente de Frida, es una representación del “tercer ojo”, es decir, de la guía que él fue para ella. Mientras tanto, se pueden observar diferentes grietas a lo largo de la pintura que significan la decepción, el final de la relación y todas las marcas en su alma que sufrió mientras estaba con él.

https://www.nationalgeographic.com.es/historia/esta-podria-ser-voz-fida-kalho_14408

Preguntas que deberíamos hacerle a nuestra madre

Me gustaría compartir con vos algo que leí hace unos días. 

Son unas preguntas que deberíamos hacerle a nuestra mamá para saber algo más sobre su vida. Muchas veces decimos ¿ Por qué no le habré preguntado tal o cuál cosa?

Posiblemente te pasa igual que a mí, hay un montón de preguntas que no sabrás cuál sería su respuesta.

"Cuando eras niña, ¿qué querías ser de mayor?"

"¿Cuál es tu comida favorita? ¿Sabes prepararla?"

"Si te tocase la lotería, ¿qué harías con el dinero?"

"¿Tuviste algún gran amor antes de formar esta familia?"

"¿Cuál es tu programa de televisión favorito? ¿Y tu canción preferida?"

"Si pudieses ir a cualquier lugar del mundo durante un mes, ¿a dónde irías y por qué?"

"¿Cuál fue el peor trabajo que tuviste?"

"¿Hay algún consejo que realmente desees que yo escuche con atención?"

"¿Qué mascotas tuviste de niña? ¿Recuerdas sus nombres?"

"¿Qué deportes practicabas en la escuela? ¿Jugabas en algún equipo?

"¿Cómo conociste a tu mejor amiga?"

"¿Quién es la persona más extraña que has conocido y por qué?"

"Cuando yo era niña, ¿cuál fue el momento en el que más frustrada te hice sentir?"

"¿Qué es lo más romántico que tu pareja ha hecho por ti?"

¿Cómo era la relación con tus padres cuando eras pequeña?"

"¿Qué es lo más impulsivo que has hecho? Después, ¿te ¿alegraste o te arrepentiste?"

"¿Qué te hizo comprender que estabas preparada para casarte?

"¿Cuál es tu mayor deseo, tanto para ti como para tus hijos?"

"¿Cuál fue la peor pelea que tuviste con mi padre y a qué se debió?"

"¿Cuáles fueron las cosas más extrañas que te ocurrieron de niña o adolescente? ¿Qué tal te fue en el colegio?"

"¿Cómo sería tu día perfecto?"

"¿Qué consejo le darías a tu "yo" de 20, 30 o 40 años?"

"¿Cuál es el acontecimiento histórico más interesante que has vivido?

"¿Cuándo te diste cuenta de que querías tener hijos? ¿Qué edad tenías?"

"¿Cómo fue el día de tu boda? ¿Te acuerdas de muchos detalles?"

"¿Tienes alguna foto favorita de nosotras dos juntas?"

"¿Qué fue lo peor que hiciste de niña? ¿Te metiste en problemas?"

"En tu infancia, ¿tenías algún modelo a seguir? ¿Qué significaba para ti?"

"¿Cómo fue tu primer año como madre? ¿Cuáles fueron los mayores retos?"

"¿Qué es para ti ser mujer? ¿Ese significado ha cambiado con los años?"

 Seguramente te habrás quedado pensando... y...  ¡Ya le pregunto esto o aquello!.

Este es el momento, no lo dejes pasar.

https://www.msn.com/es-ar/estilo-de-vida/life/30-preguntas-que-todos-deber%c3%adamos-hacerle-a-nuestra-madre/ss-BB13D4a7?li=AAggPN3&ocid=mailsignout#image=31

Domestikator, arte polémico

La virtud del arte es la de provocar e incomodar, y es que ya se sabe que no hay nada como suscitar y generar un poco de polémica.

 Arte-provocación es una escultura colosal del tamaño de un edificio y que ha divido al público entre los que creen que lo que ven es artístico y los que creen que es solo una aberración.

La obra en cuestión parecen dos edificios manteniendo relaciones sexuales pero, hay mentes que yendo más allá, avistan a un hombre teniendo sexo con un perro y es que, nunca la arquitectura había sido tan explícita
"Domestikator", que es como se llama esta obra que ya advierte desde el título, es del artista holandés Joep van Lieshout y, muchos creen, que al estar en un espacio público fuera del contexto de una galería dirigida a un público adulto, es totalmente inadecuada

Según su autor, "Domestikator" es una obra de arte a gran escala que sirve como tótem, templo o faro y simboliza el poder de la humanidad sobre el mundo rindiendo homenaje al ingenio, la sofisticación y las capacidades de la humanidad, al poder de la organización y al uso de este poder para dominar el entorno natural.

Insólito: el Louvre rechaza una obra por considerarla "sexualmente explícita"

La escultura fue rechazada porque tiene un silueta sexualizada y "corre el riesgo de ser malinterpretada por los visitantes" según el dierctor del museo Jean-Luc Martínez.

Para avivar el debate en torno a esta escultura que podría invitar a la zoofilia, el artista plantea que la idea surgió en el contexto de que la agricultura y la ganadería se ha convertido en una industria en la que la manipulación genética y el maltrato animal se han normalizado y aceptado.

Al mismo tiempo, el abuso literal de los animales se ha convertido en un tabú y, para remover nuestras conciencias, el artista lanza esta pregunta: "¿Por qué tratar a un animal como un ser humano es un acto indescriptible, mientras que tratar a un animal como un recurso para la producción industrial está socialmente aceptado?"

https://culturainquieta.com/es/arte/escultura/item/16441-domestikator-una-colosal-y-sexual-escultura-que-ha-generado-polemica.html

Fusión del arte con la diversión

Pierre-Adrien Sollier es un artista francés que ha unido el arte con su otra gran pasión: las figuras de Playmobil. El pintor ha querido rendir homenaje a los grandes clásicos de la pintura internacional de una manera diferente.

A través de sus lienzos, Sollier hace un repaso por las obras más importantes de la Historia del Arte cambiando a las personas por unos de los juguetes más queridos.

Las meninas, obra maestra del pintor del siglo de oro español Diego Velázquez; La persistencia de la memoria, pintura surrealista de Salvador Dalí; y La Gioconda o La última cena de Leonardo da Vinci, son algunos de los lienzos elegidos por el artista francés.

La ultima cena de Leonardo 

Pierre nos cuenta "Estoy trabajando en este cuadro ahora mismo. Aún no he terminado la composición del tercer panel: “El Infierno”. Es una de mis pinturas favoritas y quizás la primera obra maestra surrealista. En general, me encanta el estilo del Renacimiento flamenco, muy descriptivo y narrativo. Mientras estudiaba el panel para mi reinterpretación del tríptico, descubrí que hay una pequeña partitura musical escrita en las nalgas desnudas de un maldito personaje situado justo debajo del gran violín amarillo. Esa partitura ha sido reescrita de forma moderna recientemente por un ex alumno de la Universidad Cristiana de Oklahoma, lo que demuestra en qué medida esta enigmática pintura sigue fascinando 500 años después"

Te ayudo a encontar la partitura escrita en las nalgas. 

Está en el tríptico de la derecha ¿La has localizado?

El Jardín de las delicias obra inspirada en El Bosco

Luego de haber estudiado diseño gráfico en París, Pierre-Adrien Sollier quien -según admite- nunca fue un apasionado de los Playmobil comenzó a utilizar los famosos muñequitos de origen alemán -para previsualizar escenas- mientras estudiaba animación en Londres, hasta que en 2007 inició la primera pintura de la serie que reproduce algunas de las pinturas clásicas de la historia con muñecos: “La balsa de la Medusa” de Gericault

Una original fusión del concepto del arte y la diversión, que su autor concibe como un homenaje contemporáneo a todos aquellos artistas que le han dado la pasión por la pintura.

Pierre-Adrien Sollier sitúa a los conocidos muñecos de Playmobil en roles en los que no les habíamos visto antes, lo que puede captar la atención de los más pequeños para que empiecen a interesarse por el mundo artístico.

Seguramente habrá, en el cajon de los recuerdos, alguno de estos muñequitos

Es hora de que los mires con más atención

¿Podrás crear algo?

http://masqltura.es/el-pintor-frances-pierre-adrien-sollier-reproduce-el-arte-clasico-con-figuras-de-playmobil/#:~:text=Pierre%2DAdrien%20Sollier%20es%20un,internacional%20de%20una%20manera%20diferente.

Claude Monet y su pasión por la jardinería

Antes que nada te explico qué es el impresionismo
El impresionismo es una corriente arte surgida en el siglo XIX, principalmente vinculada a la pintura: los pintores impresionistas retrataban objetos de acuerdo a la impresión que la luz produce a la vista y no según la supuesta realidad objetiva.

¿Cómo se aplica la técnica del impresionismo?
 Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de pintura. Se dice que los últimos cuadros de Monet no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. ... Los impresionistas utilizan una técnica de pinceladas cortas y perceptibles, de pequeños puntos y comas.

¿Quién es el padre del impresionismo?
 Monet fue el padre de la pintura impresionista, un movimiento artístico que tuvo lugar en Europa durante la segunda mitad del siglo XIX, especialmente en Francia

En 1883, Monet abandonó París natal para mudarse a Giverny, región de Normandía, y transformó incansablemente una propiedad descuidada en una obra maestra floral.

Despejó la tierra de árboles, labró el suelo y reclutó a jardineros experimentados para que le ayudaran a sacar el máximo provecho del paisaje, donde pasaría luego la mayor parte del tiempo pintando y comparando los diferentes momentos de luz y color según la hora del día.

Hasta su muerte, en 1926, Monet pasó -junto a su familia- 43 años en esa propiedad, en la que diseñó un jardín acuático, instaló un puente japonés-que pintó de verde- y seleccionó plantas como bambúes, ginkgos biloba, arces, peonías, lirios y sauces llorones, además de los legendarios nenúfares.
Se trata de un verdadero deleite de colores y figuras el asomarse a esta vivienda que Monet (1840-1926) adquirió prácticamente devastada y que convirtió en su taller, hogar familiar y donde se abocó a su pasión por la jardinería, en 20.000 metros cuadrados de verde que colmó de plantas, puentes y estanques inspirados en la cultura japonesa, para luego plasmar en sus más famosas obras de arte

La visita virtual se puede realizar en http://fondation-monet.com/visite-virtuelle/

Una vez que se atraviesa virtualmente la puerta, el visitante se encontrará con un pequeño recibidor que lleva al comedor de la casa, reconstruido hasta el último detalle: un espacio de paredes y muebles en vibrantes tonos amarillos y una gran iluminación, justo antes del “pequeño cuarto azul”, una despensa donde la familia Monet almacenaba té, aceite de oliva, especias y huevos, en muebles colgados en la pared.

En las paredes del comedor se pueden admirar las réplicas de la numerosa colección de grabados japoneses que poseía el artista: cerca de 60 estampas, entre ellas más de veinte impresiones realizadas por Katsushika Hokusai, grabador reconocido especialmente por “La Gran Ola” y por sus obras en las que retrataba la insignificancia del ser humano frente a la fuerza de la naturaleza.

En el primer piso de esta casa se encuentran las habitaciones: el dormitorio de Monet y su mujer Alice, con reproducciones de pinturas de sus amigos, como Cézanne, Renoir, Signac o Caillebotte, junto a una pequeña habitación destinada a los trabajos de costura, con manteles cosidos en las paredes.

La pasión de Monet por Japón es notoria también en el pasillo central de Clos Normand -el jardín principal junto a la antigua casa, que ocupa casi una hectárea de tierra- acondicionada con un típico puente japonés y especies de plantas que enmarcan el estanque, además de los nenúfares, su mayor fuente de inspiración

¿El paseo virtual te resultó interesante?

https://www.lacapitalmdp.com/visita-virtual-a-los-jardines-de-giverny-donde-pinto-monet/